ゴン！と演じる「M」
アーティストステートメント

「絵具がたくさん盛ってあってめちゃくちゃ大きいので、村井さんの絵ってすぐに分かりました～！」

​

アーティストの振る舞い、言動、風貌からなるパブリックイメージや作風が社会で共有され同一性を獲得することで、アーティストのキャラクターが構築される。

人々は、アーティストのキャラクターの受容の一環として、そのアーティストが制作した作品を消費することが可能だ。その場合、作品はアーティストのキャラクターを演出するための小道具ともなり得る。

​

近代において、マルセル・デュシャンがアートの価値付けに「命名」を重視し、アーティストの名前がいかに残るかという評価軸の中に、作品の価値を埋没させる構図が明確になったと言える。これ以降この構図に自明な実践は今や珍しくない。今日のアーティストは、自身のキャラクターと作品をセットで売り出し、鑑賞者もそれを当たり前に受容する。

​

2000年以降ジェフ・クーンズや村上隆などは、アーティストのキャラクターと作品をブランド的アイコンとして一つに結合させ、あらゆる階層の文化やメディア、コミュニティを横断した。その要塞ばりに強力な同一性は、作品の個別的差異を隠し、作品に対する個人的な見解は受け付けないと思わせるくらいに頑固に一義的だ。

​

私自身もこれまで、少年漫画の主人公を彷彿とさせる元気なキャラクターを演出し、その舞台装置かつ目印として巨大で派手な絵画群を発表してきた。

​

日本で活動する私が痛切に実感していることがある。
それは、アーティストのキャラクターがしっかりと構築された時、鑑賞者の視点がアーティストのキャラクター、又は作品単体に焦点を当てたもののいずれかに偏り、鑑賞者を二分化させてしまうことだ。
前者はアーティストのキャラクターを起点にして、物語の共有を拡大し、後者は単体の作品や展覧会を起点とした批評や言説化を行う。両者の乖離は、双方の視点を結合した実践とそれを言説化し発展させる場を奪う。また前者は、影響力が拡大しやすいことなどから、鑑賞者が作品と関わる際の指標を知らぬまに包摂してしまったりする。キャラクターを演出するアーティストに至っては、実践がキャラクターの演出に収束していき、個別の作品の制作テーマが断片化して停滞する。
同時代にアートと関わる私たちは、作品と関わることとキャラクターの受容のちぐはぐな関係が巻き起こす事態が、自らにどう影響しているのかを整理しないと、自分がどういう立ち位置から作品と対峙しているのか、主体性を見失ってしまうことが往々にしてある。

​

椹木野衣はそういった日本の状況を示唆するように、山下清の作品鑑賞、分析を行う際、まずアーティストのキャラクターとそこに混同された作品をそれぞれ分離して、鑑賞における自身の立ち位置を整えることから始めた。★1

​

制作は、誰にも規定されない作者の問題を煮詰めたテーマを、しかし作者すら予想し得ない形で跳ね返って作品を生む。鑑賞には、作品の中に独自の発見をして、その因果関係を主観的に推理していく自由がある。これらの起点となる作品の周りには、様々なテーマや人々や事物の関わりが、絡まり合いながら、時間や場所を横断して渦巻き、可変的に生きている。作品は、そのような到底人にコントロールできない魅惑的な力を纏い続けるものだと、私は考える。ところがこのような誰しもが持ちうる作品との多義的な関わりの可能性が、アーティストのキャラクターの同一性に囲いこまれて、回収されたり、すでに置き換わっていたり、また行き場を無くして忘れさられることもあるだろう。

​

このような事態を避け、作品の多義的な在り方を感じ取るためには、アーティストのキャラクターの受容に敵対するのではなく、同時代に作品と関わる固有の条件として考える必要があるのではないだろうか。

​

そこで今展覧会において、私たちが一人一人固有に感じ得る作品の（観念的な、物理的な）存在の感触と、それを埋没させ得るアーティストのキャラクターの受容の合流地点を探してみたい。

そのために、「キャラクターの受容」という出来事を絵画のメディウムの１つとして扱う。

​

キャラクターの受容は、フィクションの物語の登場人物にキャラクターを重ねる傾向がある。この場合、キャラクターはフィクションの世界に生きることを想像させつつ、絵画の中で鑑賞者の鑑賞の物語にも同時に生きる。ここにこそ、キャラクターの受容の多義的な可能性がある。この可能性を、漫画や絵本の形式を絵画に投入しながら、18世紀のフランスで流行ったロココの絵画のいくつかの引用を交えて実践的に問う。

​

また、私は作品で扱う立体的な絵具を「オムライス絵具」と名付け、自身のキャラクターを象徴する存在として売り出したが、この例に限らず、アーティストのキャラクターを構築する材料である作風や絵柄を背負う作品は、それ自身がそのアーティストのレッテル貼り的キャラクターとなる場合がある。作品はキャラクターとして受容される中、様々な人々や事物と関わり合う可変的な多義性を自らに維持することはどのように可能なのだろうか。

​

これらの実践を通して、アーティストのキャラクターの受容の静脈として走る「共有」の流れを、人々を匿名化させ集合させる場ではなく、私たちの差異を反映可能な場に向かわせる。

​

アーティストのキャラクターの周辺に停滞する作品の在り方、制作実践、それらを捉える目や語る口、手が、

​

おもいっきり豊かに交通する経路を開いてしまおう。

​

村井祐希

​

★１
山下清作品集　河出書房新社

​

​

​

​

M, Acting with a Bang!

Artist Statement

​

“Oh wow, I knew right away it was Murai-san’s painting—it’s got so much paint on it and it’s just crazy big!”

​

An artist’s character is shaped through the public image formed by their behavior, speech, appearance, and artistic style, which are collectively recognized and solidified in society. As part of this recognition, people can consume the artist’s works, reinforcing their character. In this context, artworks can function as props that enhance the artist’s persona.

​

In the context of contemporary art history, Marcel Duchamp gave prominence to ‘naming’ as a key factor in assigning value to art, establishing a framework where the worth of an artwork became embedded within the recognition of the artist’s name. Since then, the practice of art applying this framework has become far from uncommon. Today, artists market themselves as a package—character and works combined—while audiences naturally accept this dynamic.

​

Since the early 2000s, artists like Jeff Koons and Takashi Murakami have fused their personal character with their artworks as brand-like icons, transcending cultural, media, and community boundaries. This fortress-like, powerful singularity conceals individual differences between works and is so rigidly unambiguous that it almost rejects personal interpretations of the artworks. In my own practice, I have also presented a lively character reminiscent of a protagonist from a shōnen manga and have exhibited large, flamboyant paintings as both the stage and the marker of this persona.

​

One thing I strongly sense as an artist working in Japan is that when an artist’s persona is firmly established, viewers’ perspectives tend to become polarized—either focusing on the artist’s persona or on the individual work itself. The former expands the shared narrative through the artist’s character, while the latter engages in critique and discourse centered on singular works or exhibitions. This divide strips away the opportunity for practices that integrate both perspectives and the spaces where such discourse can evolve. Furthermore, the former, due to its strong influence, can inadvertently shape the way viewers engage with the artwork. For artists who perform a persona, their practice may increasingly revolve around performing that character, leading to a fragmentation and stagnation of the thematic development in their individual works. As those engaged in contemporary art, if we fail to examine how this disjointed relationship between engaging with works and accepting artistic personas affects us, we risk losing sight of our own position in relation to the artworks and ultimately, our sense of agency.

​

The art critic Noe Sawaragi, as if suggesting such a situation in Japan, started by separating the artist’s persona from the works that were often conflated with it when analyzing and appreciating the works of Kiyoshi Yamashita, in order to establish his own position as a viewer. *1
The creation of an artwork distills the artist’s personal concerns—ones defined by no one—into a theme, yet the work itself emerges in a form even the artist could not have anticipated. In engaging with the artwork, the viewer is free to discover unique elements within it and to subjectively interpret their causal relationships. Extending from the work, various themes, people, and objects intertwine, swirling across time and space in a constantly shifting state of existence. I believe that an artwork continues to be imbued with this alluring, uncontrollable force. However, the potential for such multifaceted relationships with a work—something inherently available to anyone—can sometimes be enclosed within the fixed identity of the artist, assimilated, replaced, or even left without a place, fading into oblivion.

​

To avoid such a situation and to fully appreciate the multifaceted nature of an artwork, it may be necessary not to oppose the reception of the artist’s character, but rather to consider it as an inherent condition of engaging with the work in our time.

​

In this exhibition, I aim to explore the intersection between our individually perceived sense of an artwork’s (both conceptual and physical) presence and the reception of the artist’s character, which has the potential to eclipse it. To this end, I employ the “reception of character” as one of the mediums of painting.

​

The reception of characters tends to involve overlaying characters onto the figures in fictional narratives. In this case, while the character evokes the imagination of living within a fictional world, it simultaneously exists within the painting as part of the viewer’s own narrative of appreciation. This is precisely where the ambiguous potential of character reception lies. This potential is explored in a practical manner by incorporating elements of manga and picture book formats into painting, while also referencing certain Rococo paintings that were popular in 18th-century France.

​

I named the three-dimensional paint material used in my works “Omuraice Paint (Omelette Rice Paint)” and marketed it as a symbolic representation of my own character. However, beyond this specific example, an artist’s signature style and visual language—elements that shape their artistic identity—can themselves become a kind of label-like character. As artworks are received as characters, how can they maintain a fluid and multifaceted nature that allows them to interact with various people and objects while preserving their own adaptability?

​

Through these practices, I aim to direct the flow of “sharing,” which runs as a vein through the reception of an artist’s character, not toward a space that anonymizes and aggregates people, but rather toward one that allows for the reflection of our differences.

​

Let us open up pathways where the works that linger around an artist’s character—the modes of creation, the eyes that perceive them, the voices that speak about them, and the hands that engage with them—can move and interact freely in all their richness.

Yuki Murai

​

*1　Yamashita Kiyoshi: A Monograph of His Paintings／Kawade Shobō Shinsha